La Historia del Arte en la sociedad en Red. Nuevos retos, nuevos perfiles.

El pasado 18 de marzo estuve en Santiago de Compostela manteniendo un coloquio con el Director del Museo Thyssen-Bornemisza, Guillermo Solana, donde charlamos sobre lo que ha supuesto la llegada de las redes sociales para los museos, casos de éxito y campañas en la Red. En las siguientes líneas os dejo las conclusiones sobre algunos de los temas tratados. También podéis ampliar más información en el storify creado tras el evento.

Resulta más que obvio hablar de cómo ha cambiado la manera en la que nos comunicamos con nuestro entorno más cercano gracias o por culpa -eso lo veremos con el tiempo- de las nuevas tecnologías. Si trasladamos esta nueva realidad al sector de los museos, muchos comenzaron abriéndose su perfil en Facebook porque había que estar. Daba igual que quien lo gestionase supiese de redes sociales, creían que bastaba con que ya hubiese trasteado un poco… Ahora es cuando empiezan a darse cuenta, con casos que explicaré más adelante, de que no sólo es estar y publicar su agenda, sino que hay que saber crear y, sobre todo, comunicarte con tu comunidad.

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El feedback que el museo recibía antes en las encuestas de Atención al Visitante o gracias al Observatorio de Cultura, ahora directamente lo obtiene sabiendo escuchar lo que sus usuarios dicen de él en la Red. La visita y consiguiente opinión, ya no termina cuanto el visitante accede a las taquillas, visita las salas del museo y abandona el mismo. Ahora hacemos extensible nuestras opiniones a muchas más personas sin ser casi conscientes y con un solo click. Bien sea mediante un comentario en nuestro muro de Facebook hablando sobre una exposición, tuiteando un enlace de prensa sobre una actividad cultural o escribiendo en nuestro blog. No nos engañemos, el gran cambio reside en que hoy el visitante se apropia del museo gracias al protagonismo de las redes sociales. En una sociedad basada en el capitalismo informacional, es básico para un museo darse cuenta que somos prosumidores y generadores de contenido de confianza frente a los medios tradicionales como la televisión o la prensa en papel.

Otro de los temas tratados durante la conferencia se centraba en cantidad versus calidad. Hoy día proliferan muchas redes sociales (en crecimiento se encuentran, por ejemplo, Foursquare, Instagram, Pinterest, Google plus…) ¿Qué política adopto como museo? ¿Cómo quiero gestionar mi reputación online? Como siempre cuando hablamos de cantidad y calidad, lo principal suele ser lo segundo. Trabajar en la calidad de los contenidos y saber usarlos apropiadamente en cada una de las redes sociales es mucho mejor que estar en muchas y publicar lo mismo. Además, cada museo debe encontrar su propia voz e implicar no sólo al Dpto. de Comunicacíón/Prensa sino al Museo al completo. El caso del Museo Thyssen donde sus conservadores se han abierto perfil profesional en Twitter es un ejemplo de ello.

14Cartel de la jornada “Los Muses no entienden las redes sociales”. Museo Nacional de Escultura, Valladolid.

Si hablamos de encuentros donde se ha intentado recapitular lo acontecido hasta la fecha en las redes sociales de los museos españoles, es significativo que el MUSAC de León vaya a celebrar este año la 4ª edición de su ya tradicional encuentro sobre redes sociales en museos. Más recientemente, ha destacado por su título “Los Museos no entienden las redes sociales”, el encuentro celebrado el pasado mes de febrero en el Museo Nacional de escultura. Desde mi punto de vista ya no sólo es darle al usuario lo que quiere, es decir, interactuar con él y escuchar sus sugerencias, sino también elaborar una cuidada estrategia de cómo queremos que sea la reputación online de nuestro museo, trabajando en la forma de exponer de manera dinámica nuestra agenda de actividades y dar a conocer nuestra Colección haciendo uso del evergreen content.

El caso del Museo Nacional de Escultura es un ejemplo claro de no estar adecuadamente en internet y en cuestión de meses, elaborar una fuerte estrategia online. De hecho, en la pasada #MuseumWeek muchos usuarios han comentado lo bien que se están desenvolviendo en sus redes sociales. Otros museos que apuestan claramente por el potencial de las redes sociales y lo consiguen, son el Museo Cerralbo y el Museo del Romanticismo, ambos en Madrid. Sin embargo, aquí me gustaría lanzar una pequeña lanza en favor de los museos más grandes, ya que la idiosincrasia de los mismos a veces hace difícil su lucha por conseguir más transparencia e interacción en internet. En cualquier caso, grandes o pequeños, lo claro es que cada museo debe buscar los factores que le diferencian con respecto a su competencia y saber desarrollar un plan de social media a largo plazo. Yo, como muchos usuarios, estoy a la expectativa de cómo el nuevo Museo Arqueológico Nacional llevará a cabo su estrategia digital. ¿Para cuando su perfil en Twitter?

En cuanto a campañas o acciones desarrolladas en internet en el sector museístico, me gustó mucho la convocatoria en noviembre de 2013 “5 Museos buscan lema”, llevada a cabo por el museo de Artes Decorativas, Museo Cerralbo, Museo Lázaro Galdiano, Museo del Romanticismo y Museo Sorolla. Todos ellos museos nacionales con webs muy estáticas considero supieron darle voz al usuario para que se identificase con su marca y así renovar su imagen, haciendo uso del dicho: “Únete y vencerás”. Otras acciones pero ya a nivel internacional, fueron el ya mítico #AskACurator o #MuseumSelfie, ambos organizado por la incombustible y conocida Mar Dixon. En cuanto a la iniciativa más reciente, esta vez organizada por Twitter (¿curioso verdad?) se encuentra la ya mencionada #MuseumWeek.

¿Qué decir sobre los estudios que se están realizando sobre redes sociales y museos? Tengo la sensación de que las metodologías utilizadas son tristemente más cuantitativas que cualitativas. Por ejemplo, el estudio anunciado a bombo y platillo de la consultora Social Win. Un buen social media manager sabe que lo importante es saber aunar ambos datos -calidad y cantidad-, cuidando mucho la medición del sentiment y el engagement (teniendo el cuenta los algoritmos que se usan como el Edge Rank). Lo importante en las analíticas es saber interpretar los datos e ir más allá del número de seguidores en Twitter o “Likes” en la fanpage.

En relación a nuestras redes sociales, es casi igual de fundamental su buen uso como su correcta inserción en nuestra web, pudiendo también optar por crear landing pages si se considera necesario. El ejemplo precoz de la web del Museo Picasso de Barcelona nos habla de una cuidada táctica online, con una web 2.0 cuya interfaz es dinámica y usable, vinculando e interrelacionando sus redes sociales y su blog con la propia web. De hecho, en 2010 ésta fue galardonada con el conocido premio “The best of the Web Social Media” otorgado en el congreso internacional “Museums and the web”, uno de los principales encuentros internacionales de gestores y desarrolladores de webs culturales y de museos. Este año no perdáis de vista la sección Mobile ganada por el Cleveland Museum of Art con su app ArtLens.

Por último, me gustaría terminar tratando un tema del que me parece no se saca su potencial: el perfil que debe tener la nueva figura del community manager cultural. Todos los que nos dedicamos al arte sabemos que requiere de una sensibilidad especial, por tanto, mi postura es que un museo o institución cultural no debería acudir a un simple marketer, que sabrá mucho de comunicación digital pero no sabrá cuidar y entender nuestro “producto”: algo tan intangible y bello como el arte. ¡Desde aquí os animo a todos a que os forméis en social media, ya que es uno de los nuevos perfiles que cobrarán fuerza en los próximos años en el sector cultural!

Datascape: una mirada tecnológica de la realidad

En la actualidad, fruto del avance de las nuevas tecnologías, entre ellas la aparición de la interfaz gráfica a finales de los 70, nos vemos sometidos diariamente a un enorme flujo de datos e información que como inevitables consumidores debemos procesar. Con el advenimiento de la computación en red y móvil se hace cada vez más patente que habitamos en una constante realidad virtual o más bien “capitalismo informacional”. Podemos estar como seres en un lugar físico pero nuestro yo interno se encuentra siempre en un estado de “realidad aumentada”. Lejos quedan aquellas prácticas artísticas llevadas a cabo por artistas como Brenda Laurel y Rachel Strickland a comienzos de los 90, donde veían en la realidad virtual –entonces instalaciones donde los espectadores dotados de cascos y mandos manuales habían de recorrer un espacio virtual recreado ex profeso- la encarnación del modo perceptivo contemporáneo.

Internet, el uso del móvil y las redes sociales nos sobrecogen sin apenas darnos cuenta que estamos generando constantemente realidades alternativas de un sola realidad o paisaje. Fruto del intento de ordenar o cartografiar estos múltiples territorios, nace la exposición que desde el pasado viernes puede verse en LABoral: Datascape o nuevos paisajes en la era tecnológica.

Esta exposición que se presentó por primera vez en Borusan Contemporary (Estambul) en 2013, nos ofrece la oportunidad de ver a través de los ojos de doce artistas contemporáneos dedicados a los new media cómo podemos mapear y “desglosar” nuestra hoy voluble y caprichosa realidad. Gracias a ellos podemos aprender de los usos que ella misma incita en un proceso de feeback continuo que apenas escuchamos o sabemos diseccionar aturdidos por tanta información a nuestro alcance.

El comisario de la muestra, Benjamin Weil, ha escogido como título de la misma Datascape, en una fusión de los términos Data (en inglés Datos)  y Scape (desglose de Landscape, paisaje en inglés) para reflejar la complejidad del mundo en sus múltiples capas, desde lo más clásico a los más contemporáneo, todo ello en un nuevo continuum espacio-temporal.

99423315-581f-4fd8-ad76-8457509c77ceLABlog invadido por las hierbas digitales de Enrique Radigales

De entre los artistas presentes –parte nacionales y parte internacionales, un buen equilibrio-, me gustaría destacar las piezas de cinco de ellos. Comenzando por Enrique Radigales, se trata de un artista que con toque de romanticismo no reniega de la obsolescencia de los soportes tradicionales y los combina con herramientas digitales. Así, su pieza Primer diagnóstico taxonómico se sirve como referente de un paisaje físico real –un terreno de secano en Huesca- que transforma o traduce al mundo virtual mediante un software y cuyo resultado final es una instalación escultórica donde lo tradicional, mediante columnas de barro, se equilibra con lo digital, impresiones realizadas en lenguaje CSS de malas hierbas. Sin duda, lo más interesante de esta pieza reside en que traduce estas plantas ruderales en hierbas digitales que mientras dure la exposición están invadiendo la web de LABoral – también en soporte móvil teniendo en cuenta la responsive web,- siguiendo los dictados de un algoritmo que emula la vida real, es decir, la planta que se encuentre en vigor en ese momento del año.

El caso de Googlegrama del fotógrafo digital Joan Fontcuberta nos muestra un trabajo de procesamiento de imágenes de distribución universal –de ahí el título Googlegrama, cogidas del famoso buscador Google- que representan acontecimientos de gran impacto mediático. La metodología consiste en coger recortes o “píxeles” de páginas web mediante un programa informático gratuito seleccionadas mediante palabras clave, reorganizando estas imágenes para generar un foto-mosaico que, en este caso, es una imagen por todos conocida de una celda de interrogatorios en la prisión estadounidense de Guantánamo. En concreto, resulta paradójico descubrir que entre las palabras claves para esta búsqueda se encontraban “tertulia”  o “sabiduría”.

Para esta muestra, la alemana Karin Sander expone una obra de su serie Source Code. Y es que la mayor parte de objetos tridimensionales que vemos en nuestras pantallas de ordenador esconden un código bajo el cual el sistema operativo de nuestras computadoras nos lo hace inteligible. Es decir, si introdujésemos en nuestro ordenador una línea de código, aparecería la imagen o cuerpo arquitectónico en forma de imagen tridimensional. En este caso, Karin ha expuesto a la manera de fresco el código exacto de la pared del hall de entrada de LABoral donde la obra se “aloja”. Sin duda, una manera distinta de tomar conciencia de la forma en que la Red/Internet constantemente traduce nuestra realidad y poder ser algo más conscientes de todo lo que ello implica.

a7cb819d-5dc7-43b5-9698-765f4e310fa2Karin Sander. Código XML-SVG, 2014. Imagen: Marcos Morilla. Simulación: Studio Karin Sander

Si hablamos de Harun Farocki, nos encontramos ante uno de los directores de documentales y filmes de ensayo más notables del momento. Su obra ha sido expuesta en retrospectivas por todo el mundo. De hecho, hasta el 23 de marzo dentro de la Exposición 93, que conmemora el año de apertura y vigésimo aniversario del Centro Galego de Arte Contemporánea en Santiago de Compostela, puede verse una obra suya entre otras de grandes nombres del arte contemporáneo a nivel nacional e internacional. En cuanto a sus piezas estudian la forma en que las imágenes y los sistemas de representación definen el espacio político y las consciencias sociales. En Parallel compara la historia de los vídeojuegos creados por ordenador con la representación de los mismos en la historia del arte. En definitiva, de cómo la estética creada por las computadoras ha impregnado y marcado completamente las teorías de representación de las imágenes en su corta historia de vida, superando a otras artes como la fotografía o el propio cine.

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Captura de la vídeoinstalación Parallel de Harun Farocki © Harun Farocki 2012

Por último, Charles Sandisonuna de las figuras referentes cuando hablamos de artistas que trabajan con los nuevos medios, es conocido por sus vídeo proyecciones site-specific que sobrecogen al espectador. Recuerdo la primera vez que pude ver su obra en la madrileña Galería Max Estrella hace ya ocho años. Su leitmotiv son piezas cuidadosamente generadas por ordenador, donde funde referencias de la literatura y la biología. En la VIII Edición del Premio ARCOmadrid-BEEP de Arte Electrónico una evocadora “vanitas” titulada Natura Morte resultó ganadora. En esta ocasión en Gijón, de nuevo su pieza se integra con la arquitectura creando una increíble sensación orgánica. Logos (Hagia Sophia), como su nombre indica, toma como referente arquitectónico este emblemático edificio en Estambul, antaño religioso y hoy desacralizado y convertido en un mero lugar turístico. Sandison con su instalación nos hace reconsiderar la noción de historia y arquitectura, de como este edificio pasa a formar parte de otro edificio, la propia sede de LABoral. Una llamada más a aprender a mirar de nuevo.

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Charles Sandison. Detalle de Logos (Hagia Sophia), 2013

Estas últimas palabras son claves, hoy cuando las nuevas tecnologías nos permiten un don de la ubicuidad, más que nunca hay que saber centrarse y recordar con mirada de niño cómo mirar las cosas por primera vez, con detenimiento y dejándonos llevar. ¿Te atreves a cuestionar la realidad de la mano de estos artistas?

Arte en la Red: del nacimiento de la Web a la época de las redes sociales

Ponencia online #arteendigital -en versión extendida- presentada para Arte y un café, organizado por Veo Arte en todas pArtes, 2014.

Quien hubiese dicho que aquella primitiva red de contacto a nivel universitario surgida en California alrededor de 1967 daría lugar tras muchos avances y experimentos a lo que hoy día conocemos como World Wide Web o internet.

Mucha “culpa” tiene de ello el hipertexto o la “configuración” de internet como un entramado donde múltiples fragmentos -sitios y páginas- se unen entre sí para generar conexiones también múltiples que se “activan” con la interacción del usuario – con su búsqueda personalizada a través navegadores-.

Sin duda alguna, hoy en pleno siglo XXI, somos cada vez más conscientes que el vertiginoso avance de las telecomunicaciones y sobre todo, de la web, ha dado lugar a un capitalismo informacional donde quien no está presente, no existe. Lo que antes era un tela de araña llena de emisores y receptores, ahora cualquier persona puede romper esa antigua dialéctica que se basaba en expertos versus audiencia. En la actualidad internet, teñida de una aparente horizontalidad, está llena de grandes repositorios de archivos compartidos. Pero, ¿controlamos todo este gran flujo de información? ¿Somos conscientes de su corta vida útil?

Empecemos por ver cómo los artistas empezaron a utilizar internet o la web como medio de expresión artística.  Al principio, en la década de los 70 la fascinación por los avances tecnológicos  per se era el centro de sus “acciones”, pasando en los 80 y 90 –y todavía en la actualidad- a una reflexión a nivel social, político y económica de este nuevo pero omnipresente canal. El ideal utópico pasó de un entusiasmo inicial a darse cuenta de que la nueva tecnología alimentaba una idea de la web como un espacio libre pero que ello distaba mucho de la realidad. ¿Qué búsqueda no está predeterminada por el famoso buscador Google? ¿De quién es la propiedad de las fotos que subimos por ejemplo a nuestro perfil de Facebook?

Comenzando por los “orígenes”, se ha tendido a englobar en el término Net Art a todo el arte producido en la Red cuando, en realidad, dicho término se ciñó a un conjunto definido de artistas en un momento muy determinado a mediados de los 90. En nombre net.art fue tomado por azar de un mensaje de correo electrónico mal cifrado del artista Vuc Kosic en 1995.  La versión oficial del desarrollo del net.art también puede ser encontrada en el texto “Una historia del arte en Internet” de Rachel Greene.

webImagen tomada del portal del net artista Jodi http://wwwwwwwww.jodi.org/

Una serie de hitos cronológicos iban a marcar el desarrollo a gran escala de la historia del arte en la Red. En concreto, en 1979, se creó el Festival Ars Electrónica, que todavía hoy día se celebra y que es uno de los marcos de referencia sobre New Media Art. Un poco más tarde, en 1989 nace el Center For Art And Media de Karlsruhe (ZKM), institución pionera en el análisis del impacto de las nuevas tecnologías en la transformación de los modos de vida contemporáneo. Otro ejemplo, ya a principios de los 90, es la creación de una web dedicada a net art llamada Colección äda´web y auspiciada por el Walker Art Center de Minneapolis, que además cuenta hoy día con un departamento pionero y específico en la promoción y exhibición de arte digital y arte en la Red dentro de una institución museística.

En cuanto a portales de debate crítico, destaca a nivel internacional y creado en 1999 la web de Rhizome –también con colección de New Media, Artbase, asociada al New Museum de Nueva York- y a nivel nacional, el portal Aleph Arts creado por Jose Luis Brea que cuenta con una galería de arte en Red y una biblioteca virtual con una extensa colección de textos teóricos sobre nuevos medios, muchos traducidos al español.

Durante tres décadas los artistas trabajaron con Mail Art o listas de correo, conexión vía satélite u online entre distintos usuarios en distintas partes del mundo, trabajos con realidad virtual y un largo etcétera. Poco a poco las instituciones museísticas fueron tomando conciencia de las singulares condiciones de esta nueva manifestación artística. Prueba de ello es el portal Artport del Whitney Museum of American Art iniciado en 2001 y el departamento de conservación de Time-based Media de la londinense Tate Gallery. Sirva como reflexión que es llamativo constatar como muchas obras del primer net art han tenido que ser migradas a otros sistemas compatibles tan sólo quince años después de su creación. Estamos sin duda ante el auténtico patrimonio artístico de nuestra era pero con una naturaleza  que se nos escapa a su archivo, lo inmaterial. Es necesario cuestionarnos sobre su conservación y como continuamente deberemos actualizar o migrar sus contenidos para no perderlos, con el alto coste de renovación de dominios y alojamiento de las obras que ello implica.

Centrándonos más en nuestro presente cercano, ¿cuándo nace la Web tal como la conocemos? Es decir, la llamada Web 2.0 o Web participativa. Sería tras la “muerte” del primer net art y la fulgurante venida de las conexiones de banda ancha cuando surgiría, a principios del XXI, una nueva época en la Red, sobre todo, con la llegada de las redes sociales.

tener un blog En 2003 nace Facebook y su uso se extiende de manera masiva junto con el uso de nuevas plataformas de contenido: los blogs. No es el fin de este post discutir si los blogs son una crítica especializada fiable para el usuario o si son una crítica amateur, lo que quiero poner de manifiesto es que supuso un nuevo contexto y por tanto, un nuevo campo de experimentación también para los artistas. Sin embargo, las obras de arte en la Red parecen estar más relacionadas hoy con la dimensión social de Internet que con una especificidad tecnológica. ¿Quizás la asimilación aparentemente natural de internet en nuestro día a día ha disipado la existencia de un género artístico fundamentado en ella? ¿Puede acaso un perfil de una red social ser una obra de arte? ¿Quiénes nos imponen qué se puede o no subir a internet? 

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Foto del perfil de Facebook de Intimidad Romero. Fuente: www.arteyredes.org

Social Media: el caso de la Fundación Mapfre

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Dentro de la serie de post dedicados a conocer el uso real que los museos e instituciones en España hacen de las redes sociales para crear generar engagement entre sus usuarios creando sinergias que se traduzcan en una mayor acogida offline, nos encontramos justamente con el caso de la Fundación Mapfre.

La fundación desarrolla su labor en varios “institutos”, entre los que se encuentra el dedicado a la difusión de la Cultura y la Historia. Para ello, cuentan con dos sedes o espacios expositivos en la capital: la sala Recoletos (en pleno centro de Madrid) y la Sala Azca (situada al norte pero también en el eje de la Castellana). Esta última que suele acoger exposiciones fotográficas, se trasladará próximamente muy cerca de la Sala Recoletos.

Exposiciones variadas llenaron sus salas el pasado año como, por ejemplo, el caso de “Impresionistas y postimpresionistas: el nacimiento del arte moderno. Obras maestras del Musée d´Orsay”, “Emmet Gowin” o “Giacometti. Terrenos de juego”. Este año muestras como “Picasso. En el taller” seguirán mostrando su dedicación por la difusión de una Cultura libre -que no gratuita- en un momento en que las Artes en España no pasan desgraciadamente por su mejor momento y grandes museos nacionales han tenido que subir sus tarifas de entrada ante la falta de financiación pública.

Las nuevas circunstancias traen consigo nuevas formas de hacer y en este caso, nuevas fórmulas ante las que enfrentarse a un público que ya no le basta con acudir físicamente a las salas, si no que demanda más información y sentirse parte importante de las instituciones. Una de las claves hoy día pasa, lógicamente, por crear responsive web o accesibles/usables a través de nuestros smartphones o tablets y otra, establecer una comunicación activa con nuestro público de manera cercana y enriquecedora a través de las redes sociales.

En lo que atañe al primer apartado, la Fundación Mapfre cuenta no sólo con una web de diseño adaptado a los nuevos dispositivos móviles sino que además cada una de sus exposiciones cuenta con su propio “minisite” que incluye una explicación de cada una de las salas, hitos cronológicos y biografías de los artistas… Pero, lo que de verdad hace singular estos microsites son sus visitas virtuales. Aunque nunca sustituirán la visita física y las sensaciones que sentimos delante de las propias obras, su “uso” se está extendiendo con muchísima rapidez aunque son muy pocos los casos de museos españoles que hacen uso de esta tecnología 360º. La Fundación Mapfre realiza un gran esfuerzo en incluir en sus exposiciones esta técnica, de tal manera que, el recuerdo de una exposición ya no queda sólo relegado como hasta ahora al catálogo, sino que puede una y otra vez ser revivido por el visitante a través de internet. Ahora más que nunca somos lo que denominaremos como voyeurs virtuales. ¿Otro valor añadido? Podemos tomarnos todo el tiempo del mundo en recorrer las salas, hacer zoom y descubrir detalles que nuestro ojo humano no alcanza a ver, en definitiva, estamos ante un museo abierto 24/7 o veinticuatro horas al día los siete días de la semana. Como pequeño apunte, mencionar que las visitas virtuales de la Fundación Mapfre incorporan pistas de audio con texto creado ex profeso y algunos traducidos a lengua de signos.

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Por otro lado, la Fundación Mapfre no sólo desarrolla su actividad en formato expositivo, sino que gracias a una buena estrategia digital, vieron una oportunidad, contrario a la “adversidad” de no poder exponer su colección de dibujos de manera permanente debido a la naturaleza del propio soporte, creando un espacio digital en forma de aplicación gratuita para Ipad donde exhibirlos. Esta singular colección sobre papel fue iniciada en 1989 y en la actualidad suma más de 100 dibujos que van desde la segunda mitad del siglo XIX hasta mediados del siglo XX con nombres como Pablo Picasso, Gustav Klimt, Kurt Schwitters, Henri Matisse o Egon Schiele. Además, la aplicación permite guardar comentarios personales de las obras y compartir el contenido en Facebook y Twitter. Sus imágenes en alta calidad y visita 3-D nos permite disfrutar de obras que en continua exposición sólo hubiesen quedado en la retina de unos pocos. App también está disponible en inglés.

Como paso natural en su proceso de coleccionismo, en 2007 comenzaron a comprar fotografía de la segunda mitad del siglo XX con autores como Nicholas Nixon, Alberto García Alix, Walker Evans, Lee Friedlander, Paul Strand o Graciela Iturbide; y que puede ser disfrutada, de nuevo virtualmente, a través del Art Google Project.

Con respecto a su uso de las redes sociales para fidelizar al visitante/usuario, desarrollan de manera asidua visitas para prescriptores de opinión, alojan el resultado de sus conferencias en su canal de Youtube y recientemente, acaban de abrirse un perfil en instagram para compartir más con sus usuarios ahora que esta red social permite subir vídeos.

Para conocer en concreto las diversas acciones que durante el pasado año han desarrollado en redes sociales y sus resultados reales, Paula Susaeta, directora del Dpto. de Web y Redes Sociales, ha respondido a las siguientes preguntas:

-  Durante el pasado año, emprendisteis acciones en Twitter como #historiasconminusculas o el concurso “Trazos en movimiento” en torno a la exposición los Macchiaioli ( #expo_Macchiaioli ). ¿Qué otras iniciativas habéis desarrollado durante el 2013? ¿Alguna nueva en mente de cara al futuro?

En 2013 hubo una que vimos que a nuestros seguidores les gustó mucho, y nos alegró porque además era a comienzos de año y nos permitió definir más nuestra estrategia. Las exposiciones que se inauguraron en enero nos permitieron tener ocho obras de Van Gogh en las salas de Recoletos al mismo tiempo. Una de ellas era Un par de botas. La utilizamos como base para pedir a nuestros seguidores que nos enviaran el calzado con el que más se identificaban. Fue un éxito, y nos permitió seguir trabajando en esa línea de dinámicas participativas con una idea clara.

En este momento estamos preparando las acciones que van a ir ligadas a las exposiciones que inauguramos en febrero, Picasso. En el taller, Lynne Cohen y Pontormo. Dibujos. Queremos hacer hincapié de nuevo en escuchar la voz de quien nos sigue, pero en este caso de forma especial, de los niños y padres más jóvenes en Picasso. Para Pontormo también tenemos una nueva idea para que los fans de Facebook puedan “decidir” sobre el contenido de nuestro perfil sobre esta expo e intentaremos seguir esta línea con Lynne Cohen. Nuestro objetivo este año es dar cada vez contenido de mayor calidad y lo más enriquecedor posible. Queremos lograr un mayor engagement, y creemos que es una buena manera de intentarlo.

-  El pasado 18 de septiembre #AskaCurator , iniciativa creada por @MarDixon, reunió en España a muchos museos bajo este hashtag donde el público podía dirigir sus preguntas y curiosidades a determinadas instituciones y museos. Entre los participantes se encontraban el Museo Thyssen, MUSAC, Fundación Telefónica, Museo Picasso Málaga, Museo del Prado y por supuesto, también vosotros. ¿Cómo valoráis esta acción? ¿Resultó fácil la coordinación entre Dptos. para solventar las cuestiones de vuestros usuarios? ¿Repetiréis el próximo año? ¿Qué opinión os merece la última iniciativa #MuseumSelfie?

Participar en #AskaCurator fue muy interesante, porque aunque intentemos estar abiertos a las preguntas de nuestros seguidores todos los días, también creemos que iniciativas así sirven para recordar al público que ciertamente es así. En nuestro caso hubo una labor de coordinación importante, porque además quisimos que cada respuesta fue firmada por la persona del equipo que mejor podía responder a la misma. Se involucró todo el equipo personalmente: nuestro director general Pablo Jiménez Burillo, Nadia Arroyo Arce, directora de exposiciones, Maria Lopez, conservadora jefe,. Carlos Gollonet, conservador jefe de fotografía, y yo misma. Si hubieran surgido preguntas de montaje e instalación, estaba preparado para responder Pedro Benito, nuestro director de montaje también, y todos los demás estaban avisados por si hubiera sido necesaria su respuesta. Javier Lucas, como nuestro community manager, y yo estuvimos pendientes de que la gestión de las preguntas fuera lo más rápida posible, teniendo en cuenta lo que cada una implicaba. Somos una institución de un tamaño manejable y eso facilita la comunicación y la coordinación. Fue una suerte poder dar a conocer un poco más quién está detrás de la institución.

En cuanto a iniciativas como #MuseumSelfie,(nosotros estábamos de montaje) todas ellas son interesantes ya que permiten al público estar más cerca nuestro y sentirse parte verdaderamente activa.

-  Como agradecimiento al conseguir los 20.000 “Me gusta” en vuestro perfil de Facebook, el pasado diciembre regalasteis una selección de catálogos entre vuestro público online. ¿Cómo resultó la acción #mas20mil ? ¿Cuáles fueron los catálogos más solicitados?

Los que se agotaron antes fueron Románico y el dedicado a Jean Paul Gaultier. La respuesta fue abrumadora, en dos días estaban reservadas todas las unidades disponibles. Contamos además con la colaboración de 5 bloggers: esto también fue algo que nos apetecía porque consideramos que su labor como dinamizadores y comunicadores es esencial. Se hicieron eco de cuando lanzamos la acción en Facebook, y luego fueron comunicando lo que ocurría en sala el día de la entrega de los catálogos; aún queda una tercera parte de esta acción que se podrá conocer en febrero, y es el último paso de dar las gracias a los más de 25.000 fans ya en facebook (cuando lo lanzamos era para celebrar superar los 20.000). El objetivo era realizar una acción que mezclara off-line y on-line, que pusiera de manifiesto la estrategia 360º que pretendemos. Poder conocer y agradecer personalmente por lo menos a algunos de nuestros seguidores por su tiempo y su confianza.

-  Contáis con una app gratuita disponible para Ipad y Iphone donde el usuario puede estar al día de las exposiciones y actividades que tienen lugar en la Fundación. ¿Cuántos usuarios activos disfrutan de la misma?  Vuestra web es, como mencionábamos más arriba, responsive. ¿Qué aporta de nuevo la app con respecto a la web? Y por último, ¿para cuándo será compatible con dispositivos Android?

El número de usuarios fluctúa, y normalmente asciende con las nuevas exposiciones. Aunque tengamos una web responsive, la idea es tener la información más concentrada, accesible, y rápida. Es un modo más rápido de saber exactamente que hay disponible hoy en Fundación Mapfre. También permite que se sigan en streaming las conferencias del auditorio desde ipad o iphone. Queremos realizar lo antes posible ambas apps en android, para poder llegar a todo ese público que en este momento no podemos. Los recursos disponibles son limitados, pero es uno de nuestros objetivos prioritarios a medio plazo.

My Art Diary en 2013

Comienza 2014 y con él me gustaría hacer un pequeño balance de mi blog en el pasado año. Sin duda, un año marcado por post muy populares y donde mi participación en Arcobloggers y LABlog ha supuesto un buen posicionamiento y sobre todo, un gran aprendizaje.

En el 2013, el post más leído, alcanzando en un día las 843 visitas, ha sido ¿Cómo acercarse al arte contemporáneo? Seis sencillos y efectivos pasos. Muy de cerca, le sigue la entrevista mantenida con Guillermo Solana y su uso personal y profesional de su cuenta de Twitter.

Haz click para ver el reporte completo.

¡Muchas gracias a todos!

 

Entrevista a Paula Cabaleiro sobre la feria Cuarto Público

Hace apenas una semana comenzaba en Santiago de Compostela la 1ª Edición de la feria Cuarto Público en la que My Art Diary colaboró como Media Partner. Feria realizada en tiempo récord según nos comentaba una de sus directoras Paula Cabaleiro -junto con Xulia Santiso y Patricia Amil- contó en su inauguración con las siempre polémicas performances del artista Abel Azcona. Como su propio nombre indica, Cuarto Público, parte de la idea ya arraigada en el sector artístico ferial a nivel internacional de hacer de la habitación de un hotel un lugar expositivo. Este fenómeno nació en 1994 cuando el primer Armory Show, la mayor feria en arte contemporáneo en Nueva York, se celebró en las habitaciones del hotel Gramercy. Desde entonces, su ejemplo ha llegado hasta Asia y en el caso de España, con el caso de Room Art Fair. Sin embargo, y aunque evidentemente Cuarto Público beba de estos referentes se diferencia en que en su caso el propio artista puede acudir como expositor a la feria, hecho quizás un tanto controvertido y que haya motivado el cuestionamiento del papel de la galería. ¿Nos encontramos ahora ante un artista a medio camino entre el gestor cultural en tanto en cuanto se encarga de la difusión de su obra en su propia web y en las redes sociales? ¿Sigue la galería siendo la mediadora entre su obra y el futuro comprador?

Dejando el debate abierto y volviendo al tema que nos ocupa, no hay que olvidar que Galicia contó en Vigo desde 2006 -aunque en sus inicios se llamó Puro Arte- y hasta 2011 con la feria Espacio Atlántico. Esta feria basada en el apoyo institucional se
cayó entonces cuando no supo renovarse y buscar otras formas de “mecenazgo”
. En el caso de Cuarto Público, es una feria que ha nacido de micropatrocinios y sin apoyo institucional, lo cual si cabe no hace más que evidenciar el nuevo sistema de financiación al que se enfrenta la cultura en España si desea sobrevivir.

En el siguiente vídeo, Paula Cabaleiro nos cuenta un poco más sobre cómo se fraguó esta feria:

Por otro lado, desde pasadas ediciones hemos podido ver como casi todas las ferias cuentan ahora con una nueva figura, la del Media Partner. Es el caso de las madrileñas ferias CASA/ARTE y la ya mencionada Room Art Fair. Y, porque no, aunque en diferente sentido, de la feria ARCOmadrid que contó en su pasada edición con la plataforma ARCObloggers de la que pude formar parte como Guest Blogguer. ¿Qué papel están adquiriendo las redes sociales a la hora de difundir una feria? ¿Cómo se entiende la figura del blogger independiente en la misma? Podréis encontrar respuesta a estas preguntas en el siguiente vídeo:


Por último, y aunque una feria no pueda resumirse sólo en tres o cuatro iniciativas interesantes, sí me gustaría recalcar mi interés en el stand de la veterana Galería Trinta, una galería que durante años lleva en Santiago destacando por su apoyo a los artistas y que trajo a la feria obras como las de Manuel Saiz, que actualmente “expone” en el Museo Reina Sofía. Por otro lado, el caso de La Gran que edita y comercializa objetos diseñados por destacados artistas plásticos como Marina Núñez o Alicia Martin para hacer así más accesible su trabajo. En su stand pude descubrir la obra del artista Raúl Hevia que me cautivó por su uso de la memoria y la inclusión del espectador como coautor inesperado de la misma.

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Mesa redonda sobre Crítica Digital en Cuarto Público

Este pasado fin de semana ha tenido lugar en el hotel NH Obradoiro de Santiago de Compostela la primera edición de la feria de arte contemporáneo Cuarto Público. En una época marcada por la crisis que tanto está afectando al sector cultural, da gusto ver cómo algunos agentes de nuestro tejido artístico siguen apostando por nuevos proyectos, en este caso, en el plano ferial. Siguiendo la estela iniciada en E.E.U.U. con habitaciones de hotel como lugar de exposición y con similitudes con la recientemente celebrada en Madrid tercera edición de la feria Room Art Fair, Cuarto Público ha iniciado su andadura para dar visibilidad a nuestros artistas gallegos.

Durante la feria se sucedieron numerosas performances y mesas de debate en torno a Coleccionismo, Arte urbano y moda y finalmente, sobre Crítica digital. Tuve la suerte de, junto a Nuria García de Veo Arte en todas pArtes y Francisco Porto en representación de La Lata Muda, formar parte de esta mesa y presentar los inicios, estrategia en redes sociales y retos a futuro de mi blog.

En el siguiente vídeo podéis ver mi presentación. En próximos post podréis ver la entrevista realizada a Paula Cabaleiro, co-directora junto con Xulia Santiso y Patricia Amil de Cuarto Público, así como una reseña sobre lo mejor de la feria.